Einführung zur Ausstellung von Lena Brohammer

Es freut mich, Ihnen heute Abend die Werke von Julia Lohmann etwas näher bringen zu dürfen.

1951 geboren, studierte Julia Lohmann in den 70ern an der Kunstakademie in Düsseldorf bei Joseph Beuys und Erwin Heerich. Damit fiel der Anfang ihres Studiums genau in die von Konflikten um Beuys´ Verbleib an der Kunstakademie geprägte Phase.

Nach mehreren Stipendien und Förderpreisen erhält sie 1989/90 einen Lehrauftrag an der Kunstakademie Düsseldorf. Zusätzlich wurde Ihre künstlerische Arbeit durch viele Auslandsaufenthalte geprägt; beispielsweise in Los Angeles, San Diego, Lahore (Pakistan), Osaka (Japan) und im  Jemen. Seit 1996 hat Julia Lohmann zusätzlich eine Gastprofessur an der Academy of Fine Arts and College of Contemporary Arts in Tianjin/China inne.

Unter ihren zahlreichen Einzelausstellungen sind einige besonders nennenswert. So zum Beispiel die Ausstellungen im Kunstverein Heidelberg, in der Städtischen Galerie Würzburg und im städtischen Museum in Mühlheim an der Ruhr.

Auch international sind ihre Werke immer wieder in Einzelausstellungen zu bestaunen, so beispielsweise in der Kodama Galerie in Osaka (Japan) (1995) und  im Les Bruyères in Nizza (2013), sowie mehrfach in Kalifornien. 2014 sind ihre Werke nun zum 5. Mal hier in der Galerie Grashey in Konstanz zu sehen.

Julia Lohmann ist weit gereist, kennt fast jeden Kontinent. Sie verarbeitet diese Erfahrungen in ihrer Kunst. Die unterschiedlichen Kulturen dienen als Grundlage ihres kreativen Schaffens;  dabei ist das Gleichberechtigte Miteinander dieser Kulturen ein entscheidendes Merkmal.

Sie schafft ganze Räume, indem sie sich nicht nur mit Malerei und Bildhauerei, sondern auch mit dem Schreiben, Fotografieren und Filmen beschäftigt. Diese Multimedialität eröffnet vollkommen neue Möglichkeiten; Spielräume entstehen, in denen alles kann und nichts muss.

Ein zentraler Aspekt ihrer Arbeit ist die Wahl des Werkstoffes. Gerade die Begegnungen mit fremden Kulturen dienen hier der Inspiration. Nach Möglichkeit verwendet sie Materialien die aus nächster Nähe stammen und damit zumeist inhaltlich mit der Umgebung und ihren Gegebenheiten verknüpft sind. Zur Arbeit mit Aluminium, welche auch hier zu sehen ist, inspirierte sie etwa die Tätigkeit in der amerikanischen Mojave Wüste (1989-1992). Es entstanden bemalte Skulpturen aus Flugzeugteilen eines nicht weit entfernten Schrottplatzes.

Oft nutzt sie nicht nur Gegenstände und Materialien aus ihrer Umgebung, sondern bezieht den Ort selbst mit ein und lässt ihn so zu einem Teil des Kunstwerks werden.

Lohmanns Auseinandersetzung mit Beuys´ erweitertem Kunstbegriff wirkt nachhaltig auf die in den Materialien wirkenden Kräfte wie den Metallen und Farben. Ausdruck hiervon ist ihre Absage an konventionelle Keilrahmenbilder.

Neben der Werkstoffwahl sind Farben ein weiterer wichtiger Aspekt ihrer Arbeit. Denn Farben sind für sie mit den unterschiedlichsten Bedeutungen besetzt. So beschäftigte sie sich zum Beispiel intensiv mit der Farbe Gelb, die für sie nicht nur Wärme und Licht bedeutet, sondern genauso eine Farbe der Kommunikation ist, schließlich ist auch die deutsche Post gelb, und auch Negatives verkörpern kann, denn Hepatitis wird im Deutschen auch Gelbsucht genannt und in Kombination mit Schwarz kann Gelb Radioaktivität bedeuten.

Julia Lohmann versucht nun diese verschiedenen Bedeutungen, der von ihr verwendeten Farben, in ihren Arbeiten zusammenzufassen. Das Wort ‚Farbphänomene‘ beschreibt das was dann entsteht auf sehr gute Weise, oft an die Natur erinnernd, bleiben die Werke trotzdem abstrakt.

Bei den hier zu sehenden Werken handelt es sich um zugeschnittene Rechtecke, die durch ihre Klarheit bestechen. Denkt man an Metalle assoziiert man diese schnell mit Attributen wie Schwere, Unnachgiebigkeit und Starrheit, doch Lohmanns Werke verdienen diese Beschreibung in keinem Fall. Fast luftig wirken die Aluminiumbleche, was wohl vor allem an den teils aufgestrichenen, teils aufgetupften Tempera- und Ölfarben liegt. Die Oberfläche lässt dabei die Art des Farbauftrages erkennen. Die so entstehenden Strukturen erschaffen farbige Räume, die man den sonst so zweidimensionalen wirkenden Blechen kaum zutrauen würde. Auf die Rahmung der Werke wurde bewusst verzichtet, denn nur so kann der Unterschied zwischen dieser scheinbaren Räumlichkeit und der Flächigkeit des Materials klar heraustreten.

Blau- und Rottöne dominieren die hier zu sehenden Werke, die an der ein oder andern Stelle von gelb und grün ergänzt werden und so das Auge des Betrachters lenken.  Gerade bei diesem großformatigen Werk das von sanftem Blau und Flieder beherrscht wird mit einem dunkleren Bereich in der Mitte, wirkt das Gelb das am rechten Rand etwa ein Viertel des Bildes einnimmt, wie eine starke Lichtquelle die den Blick sofort auf sich ziehen will. Dabei durchdringen sich die unterschiedlichsten Farbschichten und lassen trotz des starken Kontrastes keine Trennung zu, es entsteht ein gleichberechtigtes Nebeneinander.

Wie eine unsichtbare Hand die den Blick lenkt wirkt auch das Grün im rechten Bild der Pendant Hängung im Eingangsbereich. Es verleiht dem von organischen Formen geprägten, sonst kirschblütenfarbenen Gemälde eine Art Sog, der den Betrachter mit sich zieht. Das dichte Aneinanderhängen mit dem sehr geradlinigen, duotonalen Bild daneben, welches über eine klare Farbtrennung verfügt und nur Bewegung in der durch das Auftragen der Farbe verursachten Struktur erahnbar macht, lässt unterschiedlichste Geschwindigkeiten aufeinanderprallen. Hier entstehen starke Kontraste und Spannungen.

Ganz für sich steht im Gegensatz dazu das Bild an dieser Wand. Doch muss es trotzdem nicht auf Gegensätze verzichten, denn seine quadratische Form gibt ihm etwas graphisches, geordnetes, was aber sofort durch die in unterschiedlichster Art aufgetragene Farbe annulliert wird. Sie scheinen sich an keine Regeln halten zu wollen, wild greifen sie ineinander, scheinen sich an manchen Stellen zu vermischen. Und doch ist jede von ihnen klar erkennbar, bekommt den Raum den sie benötigt, um für sich wirken zu können.

Darauf angesprochen, welchen Titel man dieser Ausstellung geben könnte, lies uns Julia Lohmann folgendes Zitat vom Arzt und Ethnologen Victor Segalen zukommen: "...in meinen Augen aus Licht und Flüssigkeit habe ich Landstriche gesehen von unendlicher Weite, voller Linien, farbigen Flächen und anderen Dingen […] die ich mir so nie vorgestellt hätte."

Segalen stellte sich in seiner Art der Landschaftsbeschreibung gegen die sonst übliche, topographisch-europäische Art. Er versuchte stattdessen alle seine Sinne in einer synästhetischen Wahrnehmung zu vereinen, seine Umgebung zu fühlen. Die Fülle des Wahrgenommenen vergleicht er dabei nicht nur mit einem Gefühl, sondern mit einem Zustand der Trunkenheit, der ihn vollkommen überwältigte.

Diese Trunkenheit an Farbspielen und Faszination der Vorstellungskraft finden sie bei ihrem Gang durch die Ausstellung sicherlich in den Werken Julia Lohmann´s wieder.

In diesem Sinne möchte ich schließen und Ihnen ein synästhetisches Erlebnis beim Betrachten der hier zu sehenden Werke wünschen, lassen auch Sie sich überwältigen.